En esta última sesión antes de empezar poniendo caras de nuestros personajes, voy a estar introduciendo flexibilidad.La flexibilidad es la capacidad de estirar una articulación hasta el límite de su rango de movimiento, también conocido como "la forma en las articulaciones pueden y no pueden moverse".Este material recogido de mi propio entrenamiento de artes marciales y flexibilidad no está cubierto con frecuencia en libros sobre dibujo de la figura humana, sino que complementa los músculos en la comprensión del cuerpo en movimiento.También es necesario con el fin de articular el cuerpo de una manera de aspecto natural, en lugar de como un maniquí de madera con atornillado en las extremidades!
Antes de sumergirse en, una palabra de advertencia: no utilizar este tutorial como referencia para la actividad física.Esta es una referencia de la técnica y algunos de los materiales se simplifica para ese propósito.No intente nada físico sin la guía de un profesional.
Datos generales de flexibilidad
Antes de saltar en esto, vale la pena teniendo en cuenta algunos hechos flexibilidad generales que ayudarán a ayudar a su aprendizaje.
El cuerpo de la mujer tiende a una mayor flexibilidad, el cuerpo masculino de más potencia muscular.
Flexibilidad en una articulación no implica necesariamente la flexibilidad en los demás.
Más músculos significa menos flexibilidad.Los culturistas tienen el rango más limitado de movimiento de todas las articulaciones, primero porque no se extienden, en segundo lugar, porque los músculos abultados en el camino (recuerde Zangief de Street Fighter II?).Solamente los atletas y artistas que siguen los entrenamientos de potencia, así como rutinas de estiramiento (atletas de Wushu, gimnastas) pueden tener tanto la fuerza muscular y la flexibilidad, y sus músculos están bien y nervudo, no saltones (piensa Bruce Lee).En la vida diaria, algo así como el ciclismo también disminuirá la flexibilidad de la pierna si no es equilibrada por apenas tanto estiramiento.Así que es muy común que las personas no tienen siquiera la gama se muestra a continuación - buscar las partes de su cuerpo que más utilizan, y usted sabrá donde son más rígidos.
Lo contrario también es cierto: una mayor flexibilidad significa menos músculo y los músculos son a menudo muy frágil debido a que se estiran tan delgada.Por ejemplo, algunos practicantes de yoga que hacen extensa estiramiento pero no construyen el músculo, son de pago vulnerable a la rotura muscular.La fuerza muscular es realmente esencial para los tipos de activos y dinámicos de flexibilidad, se explica a continuación.
Algunas personas que son excepcionalmente flexible, o de doble articulado, o se han sometido a un entrenamiento intensivo flexibilidad desde una edad temprana, y pueden ir más allá de la gama que se muestra aquí.Esto de ninguna manera significa que está bien hacer caso omiso de las reglas de flexibilidad, como todos sabemos instintivamente lo que es "normal" para un cuerpo y lo que es excepcional.Si dibuja una persona con las extremidades en un ángulo imposible, fuera de un contexto que permita la suspensión de la incredulidad (circo, gimnasia, el exorcista), corre el riesgo de aparentar ser un artista pobre.
Los tres tipos de flexibilidad
Para efectos de dibujo, sólo tenemos que preocuparnos por tres tipos: pasivos, activos y dinámicos.
Flexibilidad pasiva es cuánto puede estirarse cuando asistido (ya sea por el peso de su cuerpo, por ejemplo, cuando hace fracturas en las piernas en el suelo, o por un socio, fig. A).No hay trabajo muscular en este caso, y la extensión de la recta está determinada por la cantidad de los músculos implicados pueden alargarse.
Flexibilidad activa es cuánto se puede estirar sin ayuda, al estirar la articulación y la congelación en la posición (fig. B).Elevar la pierna tan alto como puedas (sin patadas) es un ejemplo.Esto es mucho más difícil y este rango es siempre inferior a la gama pasiva, porque la resistencia de los músculos alargándose debe ser superada por la fuerza de sus antagonistas.
La flexibilidad dinámica es cuánto se puede estirar usando el impulso para forzar la recta final, por ejemplo, balanceando la pierna.Si lo hace, lo empuja más allá de lo que podría hacer, ya sea pasiva o activa, pero sólo por una fracción de segundo.Esto es lo que sucede durante las peleas o acciones secuencias debido a la velocidad de los movimientos, por lo que es muy apropiado para mostrar extrema estiramiento en caracteres capturados en el pico de la oscilación.En el entrenamiento de la flexibilidad diaria, esto puede ser usado para ganar más variedad - pero el riesgo de desgarro de un músculo es muy alto y sólo debe hacerse después de un considerable calentamiento (absolutamente no intente esto en casa).
Rango de Movimiento para cada articulación
Aquí están las articulaciones se mencionan a continuación:
1. El Cuello
El cuello corresponde a los últimos siete vértebras en la columna vertebral (las cervicales).Son como cilindros apilados separadas por un "colchón", por lo que su rango de movimiento es limitada.
Flexión: El mentón puede tocar el esternón.Esto crea una papada y pliegues de la piel fea.
Extensión: El cuello y la mandíbula líneas se funden en una sola curva.
Flexión lateral: El oído no puede tocar el hombro a menos que se levantó el hombro.
Rotación: El cuello por sí resulta menos de lo que pensamos.Para mirar más atrás, nos involucramos la parte superior del cuerpo también.
2. La columna lumbar (espalda baja)
Este "articulación" está formada por las cinco vértebras que emergen desde el hueso de la pelvis.Su rango de movimiento es bastante limitada, pero, porque siempre utilizamos alió a otros tramos, a menudo parece como si se permitió un considerable movimiento.El siguiente diagrama muestra cómo la participación de otras articulaciones puede hacer que parezca que la curvatura lumbar varía, pero en realidad es el mismo en todas las cuatro posiciones.
3. La articulación del hombro
De todas las articulaciones, éste tiene la gama más grandes gracias a su articulación socket: puede girar 360º continuamente.Pero eso también significa que puede estallar fuera de lugar si se les presiona demasiado duro, por lo que el bloqueo conocido se muestra a continuación es tan eficaz: la articulación del hombro se estira hasta el límite por la presión, y que dislocar si los músculos entraron en juego .
4. El codo
En marcado contraste con el hombro, el codo es como una bisagra de la puerta - se abre en una dirección y conoce a una parada.
Extensión: codos de algunas personas extienda demasiado.Aunque no es tan raro, use discreción cuando lo representa en el dibujo.Puede parecer justo en algunos personajes y extraño a los demás.
Flexión: No dar por sentado que la articulación puede cerrar todo el camino!Este movimiento se ve impedida por la masa muscular, y debe ser capaz de sentir esto en un carácter muscular, ya que transmite la mayor parte muscular (en contraposición a la grasa suave).Si no se tiene en cuenta, que hará que los músculos se ven insustancial y lo incorrecto.
A continuación se presentan los movimientos adicionales que no pertenecen al codo adecuada, pero se pueden tratar aquí.El antebrazo se compone de dos huesos paralelos, puede torcer en ambas direcciones cuando se hace girar la muñeca, en la medida se muestra a continuación (este brazo se ve desde atrás):
5. La muñeca
Gama de la muñeca de movimiento es casi todo el frente y la espalda;si intenta girarlo, observa que no describe un círculo adecuado, pero más de una elipse, porque puede pasar tan poco a los lados.
Los dedos pueden ser muy flexibles, así cuando se doblan hacia atrás (extensión).Ayudado, dedos de algunas personas pueden doblarse hasta 90º.Sin ayuda, sólo pueden extender un poco y requiere mucha tensión (en ocasiones el uso de este en la ilustración da la vida a mano y fluidez).También pueden doblarse de forma individual, pero si el resto de la mano es relajado, los dedos vecinos siempre se detuvo un poco por el levantado una.
6. La Articulación de la cadera
La cadera es la clave para fracturas de pierna, y, por supuesto, a todas las patadas tan esenciales para las artes marciales.Es el espejo del cuerpo inferior del hombro, ya que también es una articulación socket, aunque más limitado.
Flexión: Esta gama es válida cuando la rodilla se dobla, o por un breve momento en que se inició la pierna.Cuando la rodilla está recta, es mucho más difícil de levantar y sostener la pierna por encima de la cintura.Lograr el ángulo completo de esta manera (a través de la única potencia de los músculos de las piernas) es casi imposible, y los atletas con esta habilidad son extremadamente impresionante.
Extensión: Aquí los dedos de los pies están alineados con la pierna, pero girando los pies ligeramente hacia afuera permite que la pierna a balancearse hacia atrás unos pocos más grados.
Secuestro requiere una atención especial, ya que la dirección de los dedos de los pies hace una diferencia dramática: girando los dedos de los pies hacia el exterior permite una gama considerablemente más grande que apunta hacia adelante.Esto es debido a la colocación de la articulación en cada caso:
Debido a la forma en que los trabajos conjuntos, una fracción de media con los dedos apuntando hacia adelante es imposible!Una fracción de media debe tener los dedos de los pies apuntando hacia arriba.Si alguien parece estar haciendo la primera, echa un vistazo a su espalda: Es probablemente se arqueó.Esto significa que realmente están haciendo una división dedos de los pies en marcha, pero el hueso pélvico junto con las piernas y los pies se inclinó hacia adelante.
7. La Rodilla
La rodilla es muy parecida a la del codo:
Flexión: Así como es el caso en el codo, los músculos pueden impedir la flexión.Alguien con piernas musculosas no será capaz de sentarse en los talones de esta manera.Más músculos significa sentarse en las pantorrillas, las nalgas lejos de los talones.
Extensión: La rodilla no hiper-extensión!Exageradas, siluetas de barrido de la pierna se deben a las líneas combinadas de los cuádriceps y los músculos de la pantorrilla que disfrazan la línea recta de la rodilla extendida normal.
Rotación interna: Esta llega a un grado mayor cuando la articulación de la cadera también gira en.
8. El Tobillo
La articulación del tobillo, a su vez, refleja la muñeca, pero con una gama mucho más limitada de rotación.
9. La parte superior del cuerpo (torácica de la espina dorsal)
La columna torácica no se incluyó en el diagrama de las articulaciones anteriormente, ya que no es una articulación y de hecho incluye en la mayoría de formaciones de flexibilidad.Esta parte de la columna vertebral tiene movimiento muy limitado.Uso de ella hará un personaje parecía particularmente fluido (pensar Spiderman), pero es fácil ir demasiado lejos y que se vean como la espalda se ha roto!
En reposo: la columna vertebral en estado normal tiene una forma de S.
Flexión: El esternón se hunde adentro mientras la vértebra en la base del cuello sobresale.Vértebras individuales se puede ver en la parte de atrás como las prensas de la columna vertebral contra la piel.
Extensión: El esternón sobresale mientras que el espacio entre los omóplatos se hunde.La parte posterior muestra un surco como la columna vertebral retrocede.
No hagas esto, la columna no se puede doblar de esta manera!En la versión correcta, se puede ver que un número de articulaciones participar para que el cuerpo en su conjunto arcos espalda.
Rotación: Rotación de la parte superior del cuerpo significa mantener las caderas fijas y girando únicamente la caja torácica izquierda y derecha.Sólo un pequeño movimiento es posible de esta manera, mucho más pequeño que si permite las caderas para ayudar.Esta capacidad se cultiva, por ejemplo, en Taijiquan y danza del vientre.La cabeza puede, por supuesto, todavía dar vuelta más, pero dentro de los límites del cuello, por lo que sólo se puede llegar a 90º.
Compuesto Estiramientos
Ahora que entendemos cómo se extienden las articulaciones individuales, vamos a examinar algunas de las acciones que requieren de varios tramos entre sí, por lo que se puede ver cómo la comprensión de las articulaciones hace poses más naturales.Las flechas rojas indican las articulaciones, donde se produce el estiramiento.
Frente de Split
Hay dos maneras de dividir las piernas frontalmente.
A continuación se muestra la manera clásica, que es y el que más difícil, debido a que la posición de las demandas de la rodilla más de extensión de la cadera de la pierna trasera con el fin de "sentarse" completamente en el suelo.La rodilla de la pierna trasera es hacia abajo y la planta del pie hacia arriba.Tenga en cuenta que el pie delantero siempre se señala si relajado: flexionando que significaría el estiramiento de la pantorrilla, que es un montón de esfuerzo extra.
La otra forma de abajo tiene la rodilla trasera a cabo con los dedos de los pies apuntando en la misma dirección.Es una posición ligeramente más fácil (más fácil en la rodilla también), y favoreció en las artes marciales, ya que permite saltar a una posición de pie (intentar hacerlo de una división clásica daría lugar a una lesión).
Side Kick
Esta especialmente populares postura acción es un gran ejemplo de cómo lo que usted piensa que se ve un "lado" patada no es verdaderamente dado de lado, lo que sería la posición de una división central (vimos cómo limitada que es), o incluso una abducción de la cadera : es en realidad más cerca de la versión de las artes marciales de una división frontal:
Tiro incorrecto: Todas las articulaciones involucradas han limitado lateralmente gama, y el cuerpo tiene que compensar al inclinarse hacia los lados.Esto es tan precaria, no sólo que volcarse hacia los lados cuando su pie entra en contacto, sino que también va a ser un golpe muy débil, porque no hay nada que sacar energía de.
Bajo patada lateral: La patada lateral "puro" (! Ver esas espinillas) se utiliza para patadas bajas y no implica ningún estiramiento en absoluto.
, Llamada patada lateral correcta: Esta es la más cercana a la fractura frontal, es decir, la patada es en realidad dirigido hacia atrás, usando principalmente unaextensión de la cadera.Esto permite que el cuerpo tome la forma de un arco continuo firmemente plantados en la pierna en posición vertical, que dirige un montón de energía en ella.Sólo se ve como una patada "lado", porque la parte superior del cuerpo se retuerce la forma en que lo hace.
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Bridge
Un buen puente, donde los pies y las manos son distantes por un antebrazo, requiere casi todas las articulaciones se extiendan.Los talones empujan la tierra de modo que el peso es principalmente en las manos y la cintura es empujado hacia arriba - la única manera de estirar lo suficiente las áreas de la cadera / lumbares.Los codos permanecen completamente extendidos, o "cerradas", pero las rodillas no pueden ser recta sin ampliar el puente, que no funciona como usted rápidamente se inicia el deslizamiento!
Práctica Tiempo
De cara al futuro, hay algunos ejercicios que puedes hacer para ayudar a ayudar a su comprensión de nuestra flexibilidad.
Suavemente y sin forzar de alguna manera, tratar cada uno de los movimientos que se describen en la Cordillera de la sección de los movimientos para cada articulación (no trate de los tramos compuestos).Siente tus límites y ver si se puede decir que se puede superar con la formación y el que se establecen anatómicamente.El punto es entender el material desde dentro de su cuerpo (si se hace ejercicio y estiramiento, es probable que ya lo hacen).
Busque fotos de gimnastas y otros que usan la flexibilidad al extremo.Hacer bocetos rápidos de ellos, y luego traducir eso en (o incluso de una persona musculosa grande) rango de una persona promedio.(No hay una respuesta científicamente exacta derecha así que se divierte, y mantener un ojo en lo que se ve bien o no.)
Después de haber explorado a fondo el cuerpo humano, es hora de comenzar a mirar más de cerca los detalles, empezando por la cara.La primera cosa que el ojo busca, en cualquier contexto, es la cara humana, y esto se aplica también para el arte: un visor buscará primero en la cara de tu personaje.El dominio de la cara, sobre todo el dibujo de rostros expresivos animadas, por lo tanto vale la pena el esfuerzo.
En este tutorial vamos aprender los fundamentos de la cara - proporciones, características y escorzo, y vamos a entrar en los detalles de las variaciones faciales en nuestra próxima sesión.
1. Las proporciones de la cara
Visto Cara-en:
El cráneo es una esfera ligeramente achatada, a la que la mandíbula se añade de modo que, visto en la cara, que tiene la forma de un huevo, con el lado puntiagudo hacia abajo.Dos líneas medias perpendiculares cortar el huevo en cuatro trimestres.Para colocar las características:
Marque los puntos medios de las mitades izquierda y derecha: Los ojos se sientan en la línea media, en estos puntos medios.
Divida la mitad inferior de cada cinco: La parte inferior de la nariz está dos puntos por debajo de la línea media.La ranura de la boca es de tres puntos por debajo de la línea media, sólo un punto por debajo de la nariz.
Divida la mitad superior en cuatro: La línea del cabello (cuando no retroceso) es de dos a tres puntos desde la línea media.El oído se coloca entre el párpado superior y la punta de la nariz, pero esto es sólo cuando la cara esté a nivel.Mirando hacia arriba o hacia abajo cambia la posición aparente de la oreja (ver Foreshortening).
Es útil saber que el ancho de una cara es generalmente cinco ojos o un poco menos.La distancia entre los ojos es igual a un ojo.No es raro que las personas tienen los ojos más separados o más juntos, pero nos damos cuenta cuando lo hacen (ojos muy separados dan una impresión inocente como un niño, mientras que los ojos muy juntos inspiran desconfianza por alguna razón).La distancia entre el labio inferior y la barbilla es también la longitud de un ojo.
Otra medida es la longitud del dedo índice más allá del pulgar.En el diagrama siguiente, todas las distancias marcadas son iguales a esta longitud: altura de la oreja, la línea del cabello hasta las cejas, la frente a la nariz, la nariz a la barbilla, y el alumno a alumno.
Visto de perfil:
De un lado, la cabeza está todavía la forma de un huevo, pero que apunta hacia una esquina.Las líneas medias ahora dividen la cabeza en frente (cara) y la espalda (cráneo).
En el cráneo:
El oído está justo detrás de la línea central.En tamaño y la posición vertical, todavía encaja entre el párpado superior y la parte inferior de la nariz.
La profundidad del cráneo varía entre las dos líneas punteadas se muestran en el paso 4.
En la cara:
Las características se colocan de la misma manera que el anterior.
El hueco en la raíz de la nariz, ya sea coincide con la línea media o es ligeramente por encima de ella.
El punto más destacado en la frente es 1 punto arriba de la línea media.
2. Las Características
Los ojos y las cejas
El ojo es simplemente dos arcos que forman una forma de almendra.No hay ninguna regla especial aquí porque la forma del ojo puede variar mucho, pero podemos observar las siguientes tendencias:
La esquina externa del ojo puede ser más alto que el interior, pero no a la inversa.
Si el ojo se compara con una almendra, la parte más redondo sería hacia la esquina interior, con la parte estrecha en la esquina exterior.
Detalles del Ojo
En reposo, el iris es parcialmente ocultas detrás de la tapa superior.Sólo se cruza con el párpado inferior si mirando hacia abajo, o si el ojo se redujo de manera que el párpado inferior se eleva.
Las pestañas barren hacia afuera y son más cortos en el párpado inferior (de hecho, es necesario atraerlos mayor parte del tiempo).
Ya sea para mostrar el pequeño óvalo del conducto lagrimal en la esquina interna, y el espesor del párpado inferior, es una decisión personal que depende de la propia estilo, como demasiados detalles no necesariamente se ven bien;detalle sin duda debería disminuir con la escala del dibujo.
Lo mismo ocurre con el pliegue del párpado, que además contribuye expresión y puede hacer que el ojo se vea menos alerta.Me parece que cuando un dibujo es demasiado estilizado, o tan pequeño que el pliegue no se puede incluir sin cambiar la expresión, es mejor omitirlo.
De perfil, el ojo toma la forma de una punta de flecha (con los lados de diversas cóncavas o convexas), con una pequeña pista del párpado superior y, posiblemente, de la menor también.En la vida real no verías el iris desde el lado, sólo se vería un ojo blanco.Cuando lo hice en mi trabajo, he recibido tantos "esto realmente ve raro" comentarios de los lectores que tuve que empezar a incluir al menos una indirecta del iris.
En cuanto a la ceja, la forma más sencilla de dibujarlo en reposo es hacerlo sigue la curva del párpado superior.La mayor parte del cuerpo de la ceja es hacia el interior, con la cola exterior ligeramente o mucho más corto.
De perfil, cambia de forma por completo y se convierte por comas similares.La coma parece ser la continuación de las pestañas antes de acurrucarse sobre sí mismo para y sobre el ojo - de hecho, a veces se ve conectado con las pestañas, de modo que se puede dibujar en una sola curva de la línea superior de la que se encrespa los ojos de nuevo a convertirse en el ceja.
La nariz
La nariz es más o menos en forma de cuña, una forma que es más fácil de visualizar y dibujar en 3D antes de detallar ella.
El puente y los lados de la nariz son superficies planas que pueden ser solamente implicados en el dibujo final, aunque es importante ponerlos en el boceto acumulación de lo que la parte detallada de la nariz se coloca y dimensionado correctamente.Este es el lado plano inferior en nuestra cuña, un triángulo truncado que conecta las alas y la punta de la nariz.Las alas se enroscan hacia el interior del tabique, formando las fosas nasales - nota en la vista inferior continuación cómo las líneas que forman los lados del tabique están en el primer plano y parten de la cara, no a la inversa.El tabique sobresale más baja que las bandas cuando se ve desde la parte frontal, lo que también significa que, en vista de 3/4, más lejos fosa nasal está oculto por ella en un grado variable.
La parte más complicada de la nariz se puede decidir qué líneas para dibujar o para omiten para un resultado de buen aspecto!No siempre se desea que las alas dibujadas plenamente, como lo son en la nariz lado arriba.Del mismo modo, la nariz delante aquí muestra las cuatro líneas para el puente de la nariz y donde se conecta con la cara, pero la mayoría de las veces se ve mucho mejor si sólo se dibuja la parte inferior, las alas / nariz / tabique (ocultar la líneas con los dedos para ver).Si la nariz está en 3/4 punto de vista, sin embargo, se hace casi imprescindible trazar la línea más del puente.Se necesita mucho de la observación y ensayo y error para llegar a la propia "firma nariz", y con esto como con cualquier función difícil, me resulta muy útil para observar el trabajo de artistas de historietas ", observando sus narices muy de cerca, para ver qué decisiones que han hecho por sí mismos.Pronto nos ocuparemos de esto otra vez la próxima sesión cuando cubrimos la diversidad de características con más detalle.
Los labios
Notas sobre la boca y los labios:
La ranura de la boca debe establecerse primero, ya que es la más larga y más oscura de las tres líneas un tanto paralelas que forman la boca.No es una curva simple, pero una serie de curvas sutiles.En la siguiente figura, se puede ver un ejemplo exagerado haciendo los movimientos de la línea de la boca clara;tenga en cuenta la forma en que reflejan la línea del labio superior.Ellos pueden ser suavizadas en un número de maneras, el dip central puede ser muy estrecho para una mirada puntiaguda, o tan amplia su presencia se atenúa - sino que incluso puede ser revertido cuando el labio inferior es carnoso, y que crea una ligera, natural puchero.Si lograr simetría en esta línea es un reto, inténtelo de nuevo desde el centro y el dibujo a cabo de una manera, a continuación, volver y hacer el otro lado.
Dos picos del labio superior son mucho más evidentes, pero igualmente pueden ser suavizadas en curvas amplias, así también se suavizaron que se funden en un labio "sin pico".
El labio inferior por otro lado es siempre una curva suave, pero puede variar desde casi plana a redondeadas generosamente.Siempre es bueno para marcar el labio inferior, incluso con un simple guión.
El labio superior es casi siempre más delgado que el inferior, y sus palos de la faz inferior a la más baja.Si se esbozó, siempre debe hacerse con más precisión que la inferior, porque el contorno del labio inferior se destaca por su sombra (lo más fina que es!)
Desde el lado, los labios adquieren una forma de punta de flecha y la prominente del labio superior se vuelve claramente visible.Lo mismo sucede con el contraste entre la forma del perfil de los dos labios: más plano y en diagonal para la parte superior, más redondo para el menor.
La hendidura de la boca, desde el lado, se inclina hacia abajo de los labios.Incluso si la persona está sonriendo, se inclina (o curvas) hacia abajo antes de subir de nuevo en las esquinas.Nunca inclinar la boca hacia arriba en el perfil.
Las orejas
La parte más importante de la oreja, para que se vea bien, es la forma de altura C de su contorno exterior y la U invertida en su interior que marca el borde de la oreja superior.Hay a menudo una U más pequeña justo por encima del lóbulo (sentirlo con el dedo), conectado a una más pequeña C. El efecto general es concéntrica alrededor del agujero de la oreja (no como regla visible) y varía mucho individualmente.Esto se puede estilizado - por ejemplo mis oídos genéricos, a continuación, parece algo estirada @ símbolos.
Cuando la cara se ve desde el frente, el oído es de perfil:
El borde anterior esbozado por la U invertida ahora se destaca como una unidad independiente - como sucede cuando nos fijamos en un plato de lado y de repente ve su parte inferior como en la parte delantera del interior.
El lóbulo también se ve casi desplegable como, más distinta de la oreja en su conjunto.
Cómo adelgazar la oreja es desde este ángulo depende de lo cerca que se establece en la cabeza, y que varía de forma individual.Sin embargo, siempre se inclina ligeramente hacia adelante, ya que es la dirección que hemos evolucionado para escuchar desde.
Desde la parte trasera, el oído se ve separado de la cabeza: una llanta unido a la cabeza por un embudo.No sea tímido sobre el tamaño del embudo, que necesita para inclinar las orejas hacia adelante!Es más importante que el borde desde este ángulo.
Foreshortening
Siendo básicamente un balón donde las características se asignan a cabo en las líneas de contorno, la cabeza es más fácil de foreshorten que se puede esperar.Sin embargo, es más importante que nunca para observar desde varios ángulos en la vida real para familiarizarse con la forma en que las características sobresalen y se hunden en, superpuestos entre sí de maneras a veces inesperadas.La nariz sobresale por supuesto, pero también lo hacen la frente, los pómulos, la parte central de la boca y el mentón, mientras que las cuencas de los ojos y los lados de la boca son depresiones en la superficie de nuestra pelota.
Cuando dibujamos la cara de frente y de perfil más arriba, nos simplificando en una superficie plana, 2D donde nuestras líneas de referencia eran rectas.Para cualquier otro ángulo, tenemos que cambiar nuestra forma de pensar a 3D y tomar conciencia de que esta forma de huevo es de hecho realmente como un huevo, y las líneas que hemos utilizado antes para ubicar la curva de características a su alrededor como el ecuador y las latitudes en la mundo: su naturaleza circular se revela cuando se inclina el huevo.La colocación de las características, entonces, es simplemente una cuestión de dibujar las líneas medias de cruce bajo el ángulo deseado - los tres de ellos a la vez ahora.Entonces podemos dividir a la mitad superior e inferior como antes, la creación de las rebanadas en el huevo, teniendo en cuenta que las rebanadas más cercanas a nosotros se verá más grueso.El proceso es el mismo para dibujar una cara que está mirando hacia abajo o hacia arriba.
Mirando abajo
Todas las características curva y el oído se mueve hacia arriba.
Debido a que la nariz sobresale, que sobrepasa su línea (ver figura) y la punta se ve mucho más cerca de la boca - si la cara se pone lo suficiente, la nariz se superponen en ángulo recto de la boca.Visto desde este ángulo, la nariz muestra ningún detalle en absoluto, sólo la cuña con un toque de alas.
La curva de las cejas se aplana, aunque toma en perspectiva extrema para hacerlos curva de la otra manera.
En los ojos, el párpado superior se convierte en mucho más prominente y rápidamente cambia la curva normal para cubrir el orbe del ojo.
El labio superior casi desaparece y el inferior parece más grande.
Tenga en cuenta que debido a que la boca sigue la curva general, parece estar sonriendo, por lo que una ajustes de la realidad puede ser necesaria para ajustar la expresión (si se desea).
Buscando
Toda la curva hacia abajo características, y el oído se mueve hacia abajo en consecuencia.
El labio superior muestra su total superficie que normalmente no dan el observador.La boca parece estar haciendo pucheros!
La ceja gana más curva, pero las curvas del párpado inferior hacia abajo, produciendo el efecto de los ojos entrecerrados.
La parte inferior de la nariz se muestra claramente con ambas fosas nasales sin obstáculos.
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Volviendo Sideways
Cuando alguien se ve casi desde la parte de atrás, todo lo que es visible son los puntos que sobresalen de la frente y los pómulos.La línea del cuello se superpone la de la barbilla, ya que apunta a la oreja.La pestaña está al lado de salir a la luz como la cara se vuelve.
Entonces aparece parte de la ceja, y el saliente del párpado inferior como la punta de la nariz sale de detrás de la mejilla curva.
En casi perfil, aparecen el globo ocular y los labios (pero la hendidura de la boca es aún muy pequeña), y la línea del cuello se fusiona con la línea de la barbilla en una curva.Todavía se puede ver parte de la curva de la mejilla ocultar la fosa nasal.
Práctica Tiempo
Aplicar el mismo método de dibujo rápido practica para el cuerpo (ver aprender a ver y extraer energía) a la cara, la captura de más o menos su impresión de rostros que observa a su alrededor en una cafetería o en la calle.
No te preocupes por que detalla las características o hacer las cosas bien, acaba de hacer una gran cantidad de estos de una gran cantidad de ángulos de modo que entren en su sistema.
Si encuentra visualizar y dibujar el "huevo" 3D reto, tomar un huevo real (es posible que desee ebullición difícil que primero, por si acaso!).Dibuje las tres líneas medias corriendo a su alrededor, y agregar las otras divisiones para que ellos también van por todas partes.Observar y dibujar el huevo desde varios ángulos con sus curvas de nivel;esta es una excelente manera de tener una idea de cómo las líneas y las distancias se comportan en perspectiva.A continuación, puede colocar las características de sus respectivas marcas, y observar cómo se mueven alrededor como el huevo se gira.
10 errores básicos en pintura digital y cómo solucionarlos
Pintura digital es bastante complicado.Usted consigue el software adecuado y eso es todo, se puede empezar a pintar.Todas las herramientas, incluso el más poderoso, está a su alcance.Todos los colores son listo para ser utilizado, hay necesidad de mezclarlo.Si usted acaba convertido a Photoshop de la pintura tradicional, no es tan difícil;sólo tiene que encontrar las contrapartes de sus herramientas favoritas.Pero si usted es un principiante en ambas clases de arte, el comienzo es una pesadilla, aquella en la que no eres consciente de que estás soñando!
La astucia de Photoshop se basa en su aparente simplicidad: aquí está el conjunto de pinceles, aquí están todos los colores, aquí está el borrador, y este es el comando Deshacer.Usted comienza la pintura, se ve mal, por lo que la búsqueda de otras herramientas para que sea mejor.Y basta con ver la cantidad de herramientas que hay!Tratas a todos, uno por uno, y la magia sucede.
Sin embargo, "la magia" significa que usted está dejando de pintura de Photoshop para usted.Usted no tiene ningún control sobre esto, pero todavía se ve mejor que tú, un principiante, podría hacer jamás (al menos, eso es lo que usted cree).Así que deja que esto suceda y producen un montón de fotos con la esperanza de que van a se convierten en obras de un día.
Artistas digitales profesionales que admiran utilizar Photoshop para llevar sus visiones a la vida, sino que lo utilizan como una herramienta, no una máquina de producción de arte.¿Cual es la diferencia?
Profesionales imaginan un efecto y hacen que el programa lo haga.
Los principiantes hacen el programa haga algo y si están satisfechos, que mantener el efecto.
¿La segunda opción suena familiar?Si es así, sigue leyendo.En este artículo te mostraré cómo mejorar diez aspectos diferentes de su flujo de trabajo de manera que se convierte en un artista de Photoshop conscientes.Con estos diez sencillos consejos vas a entender los errores que pudo haber sido que bloquean desde hace mucho tiempo!
Nota: los problemas que estoy describiendo se aplican a una situación en la que el artista logra el efecto no intencional, mientras disputaba estilo realista.Estos no son errores si los piensa!
1. incorrecto lienzo Tamaño
Inicio de una nueva imagen es un juego de niños.Usted va a Archivo> Nuevo, o, si usted está más avanzada, utilice el Control-N de acceso directo.Parece tan simple que a menudo se pasa por alto.
Hay tres aspectos de este tema.
1. Demasiado pequeño un lienzo
Al igual que todos los objetos están hechos de átomos, cada pintura digital está formada por píxeles.Esto probablemente sabe.Pero exactamente cuántos píxeles se necesitan para crear una pintura detallada?200x200?400x1000?9999x9999?
Un error de principiante común es utilizar un tamaño del lienzo similar a la resolución de su pantalla.El problema es que nunca se sabe lo que la resolución utilizan sus espectadores!
Digamos que su imagen se ve en la pantalla como en el ejemplo 1. Es tan alto como podría ser, sin necesidad de desplazarse por ella, y eso está bien para usted.Esa es la mayor que usted puede conseguir en su resolución, 1024x600.Los usuarios con resolución 1280x720 (2) y 1366x768 (3) no podían quejarse tampoco.Pero note lo que sucede para los usuarios con mayores resoluciones 1920x1080 (4) y 1920x1200 (5).Progresivamente, la imagen toma cada vez menos espacio en la pantalla.Para estos usuarios, que realmente no utiliza toda la altura que podría!
Y no es sólo la cuestión de "espacio en blanco" alrededor de su imagen."Resolución más grande" no siempre significa "pantalla grande".El teléfono inteligente puede tener más píxeles en su pantalla compacta de lo que tienes en tu PC!Solo mira:
Mismo tamaño, resolución diferente
Diverso tamaño, misma resolución
¿Qué significa eso?Para los espectadores que no sea usted, la imagen que usted planeó para llenar toda la pantalla puede parecer ... esto:
Pero el tamaño que usted elija para su imagen no es sólo acerca de esto.La mayor resolución, más píxeles que tiene.En menor resolución un ojo puede tardar 20 píxeles, mientras que en una resolución más grande que puede tener 20000 píxeles todos por sí mismo!Imagínese todos los detalles aseados usted puede poner en un área tan grande!
He aquí un truco fresco: cuando pintas algo pequeño en una gran resolución, no importa lo descuidado que es, hay una buena probabilidad de que desde la distancia (es decir, el zoom a cabo) que se verá interesante e intencional.¡Inténtalo!
Una resolución grande permite hacer zoom en los detalles más pequeños
2. Demasiado grande un lienzo
¿Significa esto que siempre debe utilizar una gran resolución para que tenga más libertad?En teoría, sí.En la práctica, no siempre es necesario, ya veces es imposible.
Cuanto mayor sea la resolución, más píxeles que su trazo básico tiene.Cuantos más píxeles en la carrera, más difícil se hace para su máquina para procesarlo, especialmente cuando se trata de los niveles de presión con flujo variable.Entonces, eso es un argumento práctico contra ella-necesita un ordenador potente para usar grandes resoluciones cómodamente.
El segundo punto es grandes resoluciones son para piezas muy detalladas.Contrariamente a la creencia popular principiante, cada pintura no debe ser detallado.Incluso cuando se quiere pintar de forma realista , puede ignorar una gran cantidad de información que se obtendría de una foto-lo que vemos en la realidad nunca se parece a una fotografía!
Cuando se utiliza una resolución más grande de lo necesario, puede ser tentador para agregar algunos detalles aquí y allá, sólo porque es posible.Y cuando lo hace, no hay vuelta atrás.Hay muchos niveles de detalles, pero una pieza en particular deben utilizar sólo uno a la vez.Si desea crear rápido, piel pictórica, no pasar horas en el ojo y la nariz it'll sólo hacen toda la pieza parezca incoherente y sin terminar.
3. Demasiado grande un tamaño final
Digamos que encontraste esa resolución perfecta para su pintura.No es ni demasiado grande, ni demasiado pequeño, perfecto para el nivel de detalle que desea alcanzar.Aquí es un poco de espacio para otro error.Esa resolución fue el tamaño de su trabajo.Tal vez usted necesita más píxeles para llegar a ese detalle ojo, pero ese detalle será visible "desde lejos", también.
¿Por qué dejar que ellos ven estos detalles desagradables ...... Si se puede hacer que sólo ven lo que se supone que ser visto?
Antes de guardar el archivo para la vista final, cambiar su tamaño.No te voy a decir la resolución más óptima, porque no hay ninguno.La regla es: cuanto más detallada sea la pieza, menos se perderá cuando se presenta en gran resolución.Cuanto más "básico" de la pintura, mejor que se verá cuando se presenta en versión pequeña.Si desea obtener más información sobre esto, vea lo que la resolución de tus artistas favoritos utilizan al publicar sus obras en línea.
Una cosa más: al cambiar el tamaño de la imagen, compruebe que volver a muestrear algoritmo funciona mejor para usted.Algunos de ellos, centre la imagen, que puede o puede no ser deseado.
2. A partir de un fondo blanco
Puede parecer trivial, ¿qué hay de malo en un fondo blanco?Es ... neutra, ¿verdad?Se ve como una hoja de papel.
El problema es que no hay color "neutral"."Transparente" es el más cercano a él, pero es imposible para pintarlo.El color es el color.Cuando dos de ellos se producen, una cierta relación aparece en su propia.Para blanca + color A, esta relación es: "Color de A es oscura".No importa lo que era su intención, se inicia con un color oscuro sólo porque ha utilizado el fondo más brillante posible! Todo está oscuro en comparación a la misma.
El mismo tono cambia su brillo relativo cuando se ve de diferentes orígenes
En el arte tradicional se utiliza un fondo blanco, porque técnicamente es más fácil de poner oscuro en brillante que la otra manera alrededor.Pero no hay razón para ello en el arte digital!De hecho, incluso se podría comenzar con un fondo negro, pero es igual de malo una idea tan blanco puro.En la práctica, el color más "neutral" que podemos obtener es de 50% de gris brillante ( #808080 ).
¿Por qué?El color del fondo cambia la forma en que perciben otros colores.Sobre un fondo blanco, aparecerán demasiado oscuras sombras oscuras, por lo que estarán evitarlos.Sobre un fondo negro que va a trabajar el mismo con tonos brillantes.El resultado en ambos casos será débil contraste que se nota una vez que se intenta agregar otro fondo.Aquí está la prueba:
He empezado esta imagen con un fondo muy oscuro, y cuando me quería añadir una más brillante, parecía deslumbrante!
Artistas experimentados son capaces de iniciar su imagen con cualquier color y hacer lo mejor de ella, pero a menos que usted se sienta seguro acerca de la teoría del color, siempre comienzan con algo neutro ni demasiado oscuro ni demasiado brillante.
3. Evitar el fuerte contraste
Por supuesto, a veces su percepción de claro y oscuro puede ser perturbado por la mala calidad de su pantalla.Si utiliza un ordenador portátil, te habrás dado cuenta de cómo el contraste cambia cuando nos fijamos en la imagen desde un ángulo.¿Cómo se puede lograr un contraste adecuado que todo el mundo verá como propio, no importa lo que las pantallas que utilizan?
Incluso si su pantalla es bueno, después de enfocar una imagen durante mucho tiempo que su percepción no es imperturbable tampoco.Si cambia tonos paso poco a poco, ese contraste puede parecer buena sólo porque es mejor que cinco pasos antes.El objeto a continuación puede parecer agradable ...
.... Hasta que se compara con un objeto con un contraste más fuerte.Y quién sabe, tal vez si usted comparó el otro a otro, su contraste percibido caería automáticamente?
Photoshop tiene una herramienta que ayuda en esta situación.Se llama niveles, y en realidad es un histograma que muestra la cantidad de todos los matices que hay en la imagen.Puede abrir esta ventana, vaya a Imagen> Ajustes> Niveles o usando el atajo Control + L.
¿Como funciona?Echa un vistazo a estas cuatro muestras:
Casi la misma cantidad de blanco, negro y tonos medios
Sólo los medios tonos negros y oscuros
Sólo los medios tonos blancos y ligeros
En blanco y negro solamente, casi sin medios tonos
¿Puedes leerlo desde el histograma?
Usted puede modificar los niveles arrastrando los controles deslizantes.Mientras que reduce la cantidad general de tonos, ayuda a colocarlos en el lugar correcto en el histograma.
El histograma nos muestra que hay una gran cantidad de medios tonos en nuestro objeto, pero también hay una visible falta de áreas oscuras y brillantes.No importa lo que vemos, eso es lo que dice la computadora!Si bien no hay una receta perfecta para los niveles (todo depende de la iluminación de la escena), la falta total de áreas oscuras y brillantes es una mala señal.
Sólo hay que ver lo que sucede cuando nos movemos los deslizadores hacia la mitad!
El contraste ha cambiado muy bien, pero la mezcla ha sufrido de lo-que es porque tenemos menos medios tonos ahora.Pero no es difícil de solucionar manualmente!
¿Hay una manera de utilizar tonos adecuados desde el principio, para que todo esto no es necesario?Sí, y es en realidad va a llevar menos tiempo que por lo general!La solución es utilizar un menor número de tonos-uno oscuro, un uno brillante, un tono medio, y un poco de blanco y negro.
Para hacerlo en la práctica, antes de iniciar una imagen, planificar su iluminación en una esfera:
Dibuja un círculo y lo rellenamos con el tono más oscuro (negro no recomendado).
Añadir un medio tono.
Añadir a la sombra más brillante (no blanco recomendado).
Añadir una o dos medios tonos en el medio.
Añadir una pizca de blanco y negro.
¿Ves donde todas estas piezas se encuentran en el histograma?Cuando les fusionamos, esto es lo que parece.Utilice esta esfera como un conjunto de muestras para su objeto, protegiéndose de la misma forma en la sombra más oscura-, medios tonos, la luz más brillante, más medios tonos, grietas oscuras y luces brillantes.Entonces usted puede mezclar todo!
Si fusiona la esfera, obtendrá un muy buen histograma con una gran cantidad de medios tonos!
Una última cosa.Si se comparan estas dos cabezas, una vez más, una con el contraste adecuado desde el principio, y uno corregido, te darás cuenta de la diferencia.Es por eso que el aumento de contraste no puede realmente fijar su escena si usted no ha considerado los valores de la puesta en cada material tiene su propia gama de tonos.Por ejemplo, la parte más oscura de una superficie blanca será mucho más brillante que la parte más oscura de una superficie de color negro .Esto significa que usted debe preparar tantas esferas como hay diferentes materiales en la escena.
Recuerde: un objeto ligero sombreado con tonos oscuros es tan erróneo como un objeto oscuro sombra con tonos claros!
4. Uso de cepillos demasiado complicado y demasiado grande Strokes
Cuando se comparan los cepillos tradicionales para los de Photoshop, la diferencia es tan sorprendente que usted puede preguntarse por qué ellos comparten el mismo nombre.Después de todo, los cepillos clásicos permiten pintar trazos solamente más o menos caóticas, mientras que los digitales crean obras de arte por su cuenta.
Y aquí está el truco.Si crean nada por su cuenta, usted renuncia a su control.Artistas profesionales utilizan trazos simples mayor parte del tiempo, mantenerse a sí mismos con los más complicados de vez en cuando.El uso de cepillos complejos a diario no sólo te hace perezoso, sino que también hace que deje de aprender cómo lograr un efecto en su cuenta, porque no hay necesidad de!
Al iniciar su aventura con la pintura digital, es natural de buscar la manera de progresar lo más rápido posible.Usted quiere resultados, aquí y ahora.Pinceles personalizados son la respuesta para ello.¿Quieres fur-aquí está el cepillo de pelo;quieres escalas-aquí está el cepillo escala.No se puede pintar algo a descargar una herramienta que puede.
Pinceles personalizados no son malos; son realmente muy útil.El problema se produce cuando se utilizan como base de su "habilidad".Si usted realmente gastó tiempo tratando de entender cómo pintar la piel rápidamente, lo entenderías en realidad no es hecha de pelos individuales que usted necesita para pintar una a una.Se podría aprender que la visión de algo en nuestra mente es a menudo incompatibles con la realidad.Se podría aprender cómo buscar y cómo crear lo que se ve, no lo que crees que ves.
En su lugar, usted renuncia después de pasar media hora en la pintura pelos individuales y la búsqueda de un pincel que lo hará por usted.Lo encuentras, eres feliz, estás listo para seguir adelante.Es tan fácil que se convierte en adictivo, y te dejas de aprender del todo-en lugar you'd descargar todos los trucos, si fuera posible.
Pero, ¿cómo los artistas tradicionales superarla?Ellos realmente no tienen una variedad de cepillos tales.¿Cómo se pintan la piel?La respuesta es simple: la misma forma que lo haría si no existiera pinceles personalizados.Si usted desea mejorar, si quieres vencer la maldición de este principiante, deseche arbustos complicados por un tiempo.Se adhieren a un conjunto sencillo, por ejemplo éste , y aprender a sacar lo mejor de él.No busque atajos cuando se pone difícil.Lucha a través de él, y obtendrás experiencia invaluable en lugar de trucos baratos.
No "cepillo de pelo" fue utilizado aquí
Yendo demasiado grande
Otro error común relacionado con los cepillos está usando demasiado grandes trazos.Es, de nuevo, basado en la impaciencia.La regla es que el 80% de la obra lleva el 20% del tiempo dedicado a ella, lo que significa que usted necesita para pasar el 80% del tiempo de trabajo de terminar su obra de arte.Si ha creado el boceto, la base, colores planos, y simple de sombreado en dos horas, todavía hay ocho horas a la izquierda.Además, durante estos ocho horas que usted verá menos progresos que durante los dos primeros!Cómo desalentador es eso?
Se puede ver claramente en las piezas del proceso artistas a veces mostrar a su público, al igual que este .Los primeros pasos son se crea enorme, algo de la nada.Y entonces se ralentiza.Apenas se puede ver ninguna diferencia entre los últimos pasos, y sin embargo esa sutil diferencia probablemente tomó más tiempo que todos los anteriores!
En ese momento usted parar?
Este es el problema.Cuando la imagen está casi terminado, te sientes esas ganas de terminarlo y ver lo que ya hace.Pero este es el momento en que debe comenzaren realidad!Recuerdo haber leído un comentario debajo de uno de estos procesos de pintura: "Me gustaría parar en el paso 4" [de 10].Y esa es la diferencia entre ese principiante y el profesional!Debido a que la otra parte de esa regla es: que el pasado, lento y sutil 20% del trabajo contribuye al 80% del efecto final.
La solución es simple.Usted nunca debe terminar su imagen con grandes golpes (a menos que sea un speedpainting).Están reservados para el comienzo, para que el 20% del tiempo.Úsalos para bloquear las formas, para definir la iluminación, para añadir grandes trozos de colores.Y luego ir poco a poco más pequeño, acercar, limpiar, agregar los detalles.Verás que estás terminando cuando estás trabajando con un muy pequeño pincel en un gran primer plano.En general, mientras más lugares en su imagen que se tocan con el pincel (y más que lo cambie, por ejemplo, la adición de una pequeña diferencia en el brillo o tono con cada pequeño accidente cerebrovascular), la más refinada que se verá.
Hay un lado positivo a esta regla.Dado que el 80% de la pieza no contribuye mucho para el efecto final, no hay necesidad de centrarse excesivamente en él.Comience sus pinturas rápidamente, sin apretar, y guardar todos sus esfuerzos para después.Recuerde: no todos la pintura debe ser terminado sólo porque usted inició.Por descartar algo que no crees, estás ahorrándose cuatro veces más tiempo que ya has perdido!
5. El uso de demasiados colores
Artistas tradicionales no tienen demasiados colores listos para usar.Deben aprender cómo crearlos, cómo mezclarlos para conseguir el efecto que quieren.Este inconveniente es, de hecho, una bendición.No tienen más remedio que aprender sobre la teoría del color.Usted, como un principiante digital, tiene todos los colores posibles a su alcance.Y eso es una maldición!
No entendemos colores intuitivamente.No hay necesidad en nuestra vida cotidiana.Pero como artista, debe cambiar por completo su perspectiva.No se puede confiar en la intuición más, ya que funciona mal en este tema.Tienes que dejar de pensar en los colores a medida que los conoces, y comprender el concepto de Tono, Saturación, Brillo y Valor .
No existen colores por sí solos.Se basan en las relaciones.Por ejemplo, si usted quiere hacer un color más brillante, puede aumentar su brillo, o disminuir el brillo del fondo.Rojo, llamado un color cálido, se convierte en caliente o frío dependiendo de lo que su vecino es.Incluso los cambios de saturación debido a las relaciones!
Incluso el tono de un color puede cambiar dependiendo de su entorno.Y este conocimiento es crucial para la pintura, no sólo para diseñar, como usted puede pensar!
Un principiante conscientes de todo esto llena su boceto con todo un conjunto de colores al azar.Se elige un color azul, a continuación, añadir un verde, sin ninguna pista de que los están recogiendo entre miles de otros colores con tono azulado y verdoso, y que todos ellos tienen algún tipo de poder!
Así es como un principiante ve los colores:
Blues
El blues Muddy
Grays
Los negros
Pero ... ¿por qué tenemos tantos matices, si son inútiles?La respuesta es, no lo son.Sólo tiene que entender de dónde vienen y lo que significan.Vamos a ver el mismo selector de color como se ve por un profesional:
Azules Desaturado
Azules saturadas
Azules brillantes
Azules oscuros
Parece complicado?Probablemente, pero no es una razón para ignorarlo!Si es demasiado abrumadora, se adhieren a escala de grises por un tiempo.Comprender el tema de la iluminación, sombreado, y mezcla, y obtendrá una base sólida para el futuro.Más, colores (o más bien: tonos) son una guinda de la torta que llama su obra de arte.Ellos pueden hacer más dulce, pero no pueden ser la base de la misma.Ninguna cantidad de la formación de hielo hace un mal torta bueno!
Y si usted decide comenzar su curso de color, pruebe estos artículos para un comienzo:
6. Elegir colores directamente desde una referencia
Es difícil luchar contra esta tentación, tan duro que puede hacerte llorar.La conozco bien.Aún así, si quieres realmente aprender pintura digital, no debe utilizar la herramienta Cuentagotas para pedir prestado un color de referencia.¿Por que es tan importante?
Los principiantes suelen utilizar bajo naranja / rosa saturado para la piel.Parece obvio, pero el efecto es lejos de ser natural.Si utiliza una referencia, aunque ... eso es otra historia!Casi cada píxel tiene un matiz diferente, no sólo de color rosa-usted puede encontrar los rojos, amarillos, naranjas, incluso morados fríos, verdes y azules.La saturación y el brillo cambian todo el tiempo, y aún así, el efecto final no se parece caos.
Cuando tienes que elegir los colores de referencia, su propia imagen gana nueva vida.El problema es que no es tan diferente de rastreo.En el resultado del rastreo de obtener líneas que no se podía repetir a ti mismo, y al momento de retirar los colores se obtiene hermosa sombreado no se podía repetir tampoco.El efecto es sorprendente, pero no puede ser acreditado para ello.
Hay otra cosa.Elegir los colores detiene su progreso.Usted "comprar" los conjuntos de colores en lugar de aprender cómo crear su propia cuenta.Usted tiene su rueda de color con todos los controles deslizantes;todos los colores a elegir puede ser recreado por usted, por su cuenta.Pero aún así decide utilizar los que ya se han creado, es rápido y eficaz, pero ya sabes lo que es aún más rápido y más eficaz?Tomar una foto.
Para llegar a ser independiente de las referencias de un día, usted necesita aprender a ver los colores.Mira cualquier objeto cerca de usted, ¿cuál es su color, brillo, saturación?Es muy difícil de decir, ¿no es así?Pero si sigues recogiendo los colores mediante la herramienta Cuentagotas, nunca aprende.No se puede iniciar una carrera con sus ruedas de entrenamiento en pie.
Todos estos estudios fueron pintados por mí de una referencia, pero sin utilizar la herramienta Cuentagotas.Como principiante, comenzar con simples cosas-los menos colores el mejor
7. Adición de colores a escala de grises sin valores adecuados
Este cuadro lo pinté en 2011. Este es sin duda un bonito, escena conmovedora, y todavía se le parezca.Recuerdo que pinté en escala de grises y luego añadí colores usando probablemente unos modos de mezcla (color, Multiply, Overlay).Recuerdo tener este molesto problema: cómo conseguir una amarilla adecuada al pintar sobre la escala de grises?
Yo no tengo el archivo original más, pero así es como la versión en escala de grises miró, probablemente.Observe que ambas áreas verdes y amarillos son igualmente oscuro.Esto no es cierto en la realidad!
Cuando yo era un principiante como tú, yo creía que la luz hace que todos los colores uniformemente brillante, y la sombra que les hace uniforme más oscuro.Es por eso que la pintura en escala de grises parecía tan conveniente.Yo podría haber centrado en el sombreado, y ha añadido colores más tarde.Por desgracia, este truco no funcionó, y me tomó mucho tiempo (sobre todo porque yo realmente no intento) para entender por qué.
La respuesta simple es diferentes colores tienen la luminosidad independiente de la iluminación.Cuando usted lo ignora, se obtiene colores fangosos como resultado.Colores que se agregan directamente a una imagen en escala de grises están desprovistos de una parte importante de ellos.Si quieres saber más sobre ello, he escrito un tutorial complejo sobre el tema de valor .
Ambas cabezas tienen los mismos colores aplicados con el modo de color.Observe que no es la capa de color, pero lo que está por debajo de lo que importa
8. Shading Con el Dodge y Burn Herramientas
Los Dodge y Burn herramientas son uno de los favoritos del principiante.Se adaptan muy bien la creencia de que Photoshop es un "programa de pintura".Sólo tienes que elegir los colores base y, a continuación, seleccione las áreas que desea sombra.El resto es controlado por algoritmos avanzados, no por usted, y eso es genial, porque no vas a saber qué hacer de todos modos.
Sin embargo, no es tan fácil.Estas herramientas no son completamente inútiles, pero cuando eres un principiante, es mejor que se mantenga alejado de ellos.No son "herramientas de sombreado".El Dodge Tool no es igual a "añadir luz", y la herramienta de grabación no es igual a "añadir sombra", tampoco.El problema es que encajan la visión de un principiante sobre el sombreado tan bien que es difícil de superar la tentación.
El problema no radica en las herramientas, pero en una mala interpretación de sombreado en sí.Los principiantes suelen pensar que los objetos tienen un poco de color, y este color se oscurece en las sombras, y más brillante a la luz.No es tan simple.Puede funcionar bien para cell-shading, o con fines de dibujos animados, pero incluso allí esto es sólo un atajo.
Si "una especie de" obras, ¿por qué no usarlo?
Es otra técnica que bloquea su progreso.Al usarlo, usted ni siquiera darse cuenta de lo que te pierdes.El sombreado es un tema complejo, y limitarlo a la regla de "oscurecer-aligerar", porque es fácil.Photoshop está aquí para trabajar para usted, no en lugar de usted.No dejes que te detenga de aprendizaje.
Se aplana el objeto sombreado.No importa cuántas texturas que añadir a ello después, funciona igual que un cepillo grande, lo cual significa que puede empezar una foto con él, pero nunca terminar de esta manera.
Se tergiversa los colores;deben depender del medio ambiente (luz directa, luz ambiental), pero ni el Dodge Tool ni la herramienta de grabación sabe nada sobre el fondo que está utilizando.Ellos sombra todo de la misma manera!
Hay una diferencia de un año entre el estas piezas.La primera de ellas era la sombra con el Dodge & Burn dúo, el otro con una comprensión de color.
Sombreado con Blanco y Negro
La extensión de esta técnica es el sombreado mediante el uso de blanco para la luz y el negro para las sombras.Esto viene de la creencia de que todos los colores se inicia como negro (a la sombra) y termina como blanco (la luz).Si bien puede ser cierto para fotografías sobre- o subexpuestas, no debería ser una regla usada en la pintura.
Todos buscamos reglas simples, algo fácil de recordar y utilizar.Pero eso no significa que debamos inventar reglas simples que no tienen nada que ver con la realidad, como: "añadir blanco para que sea más brillante, añadir negro para que sea más oscura".Éste es cierto sólo para escala de grises!Si usted desea aprender las reglas que puede utilizar para dar sombra con los colores, consulte este artículo.
Shading invariable
Cuando a superar el problema anterior, se podría caer en otro.Digamos que usted ha elegido naranja como el color base para tu personaje.Usted decide que la fuente de luz será de color amarillo, y la luz ambiental será azul (cielo).De acuerdo con esto, se cambia el matiz del color base a amarillo en la luz y azul en la sombra, y eso es todo.Hace que el sombreado mucho más interesante que si utilizó en blanco y negro, pero aún así es un atajo que no necesariamente conducen a los resultados deseados.
¿Por qué es un acceso directo?Mediante la creación de sólo tres colores básicos para su objeto, se coloca automáticamente en un ambiente artificial, donde todo está reflejando la luz de una manera predecible 100%.
En realidad, la luz rebota continuamente fuera de todo a su alrededor, incluyendo las "colinas y valles" de su objeto 3D.Por lo tanto, el sombreado rara vez se puede limitar a dos o tres colores.El azul del cielo puede hacer que algunas sombras en el azul objeto, pero en algunas otras grietas que puede tener un aspecto verdoso debido a la luz reflejada por la hierba.Por otra parte, algunas sombras pueden ser realmente brillante y saturada debido a la luz que entraba por el obstáculo en la "sombra" (ver la dispersión del subsuelo ).
Si se toma esto en cuenta y decide utilizar fuentes de luz indirecta para hacer el sombreado más variado, te verás obligado a pintar más deliberadamente y eso es genial!No se puede utilizar un cepillo grande aquí, porque sería mezclar los colores y usted había perderlos como resultado.Y un cepillo pequeño significa que está creando una textura sobre la marcha!
9. Mezclar con un cepillo suave
Hay dos métodos principales principiantes utilizan para mezclar sombras, tanto diseñados para los efectos rápidos:
Mezclar con un cepillo suave
Mezclar con la herramienta Dedo / Desenfoque
Como ya hemos aprendido, efectos rápidos a menudo significan que están fuera de nuestro control.En este caso, la mezcla con grandes trazos aplana el objeto y hace que sea poco natural suave.Incluso si se agrega una textura foto después, no se llevará a tal efecto "plástico" de distancia.Una vez más, este método puede ser bueno sólo para que fase de arranque.
Si desea obtener una textura agradable sutil (lo cual es bueno para la mayoría de los materiales naturales), utilice un cepillo duro con flujo controlado por presión de la pluma (el más duro usted empuja, la más sólida de la carrera).
Este tipo de cepillo le permite controlar la cantidad de color que desea utilizar.
Gracias a este atributo, no es necesario mezclar la frontera entre dos colores.Usted acaba de empezar con el color base y cubrir ligeramente con la otra.A continuación, puede añadir otra capa del mismo color, por lo que es más sólida.
Si quieres que sea más suave, sólo debes elegir un color en algún punto intermedio y la pintura ligeramente sobre la frontera.
Para una textura más fuerte, utilice un cepillo de textura (con los bordes ásperos).
De acuerdo con la regla 80-20, no te preocupes por la mezcla en la primera fase.Utilice un cepillo grande, y hacer que los bordes aparente, creando una sombra exagerada.
Más tarde se puede utilizar un cepillo de textura más pequeño para difuminar los bordes.Sin herramienta Dedo, sin cepillo suave, justo la herramienta Cuentagotasy su cepillo duro con flujo variable.Recuerde: la mezcla depende de la textura de la superficie, por lo que no puede utilizar el mismo modo de mezcla para cada material!
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10. Uso de texturas 2D para Formas 3D
Texturas de fotos son el último recurso de un principiante, cuando el objeto es teóricamente terminó, coloreado y sombreado, pero todavía parece un juguete de plástico.Sin embargo, una textura en sí puede que sea aún peor.
Digamos que queremos añadir una textura a este gato grande.
El objeto debe ser la sombra antes de añadir texturas.La parte difícil es que no necesita ser un sombreado completo.El método de la mezcla depende de la textura, si usted mezcla sin tener cualquier textura en mente, usted obtendrá una mezcla no-textura (superficie lisa).
Puede descargar una textura de Internet, o utilizar uno de los patrones de Photoshop-hay un montón de ellos en los conjuntos predeterminados.Esta es mi modelo favorita para las escalas, la puerta de pantalla invertida.
Si cambia el modo de fusión de la textura de superposición, verás que aplica a la sombra.Sin embargo, observe que algunas partes se han aclarado.Usted puede tener gusto si el sombreado no se hizo correctamente, pero es otro caso de ceder el control.En la mayoría de los casos, no queremos que la textura para crear su propia versión de sombreado.Mientras que el modo de superposición no es la mejor solución, que le permite ver cómo la textura se ve en el objeto.
Ahora, el más importante y se pasa por alto parte.Si el objeto está destinado a ser 3D, puede no ser muy bien cubierto con una textura 2D.Tenemos que ajustar su forma a la forma que cubre.Hay tres formas principales de hacer esto-experimentar y encontrar su favorito:
La herramienta Transformación libre (Control-T) en el modo Warp
Filtro> Licuar
Editar> Títeres Warp
Por ámbitos es mejor utilizar Filtro> Distorsionar> EsferizarAntes de utilizar Títeres WarpDespués de usar Títeres Warp
El modo Overlay abrillanta las partes de la capa de cubierta con áreas blancas de la textura.Podríamos utilizar Multiplicar vez (hace áreas blancas transparentes), pero sería hacer tonos graduales (grises) más oscuros de lo necesario.Hay otra herramienta perfecta para ajustar la transparencia de una textura.
Haga doble clic en la capa y jugar con la mezcla Si deslizadores.En resumen, se puede ajustar la transparencia de blanco y negro con ellos.
Mantenga Alt para "romper" un control deslizante y obtener un efecto más gradual
Tenemos que entender lo que es una textura realmente es.No es un "patrón bruto" situado justo en el objeto.Es, en realidad, la rugosidad de una superficie.Cuando la luz golpea una superficie lisa, se refleja de manera uniforme.Si la superficie es rugosa, es decir, hecha de pequeñas protuberancias y hendiduras, la luz que llega se va a crear todo un conjunto de diminutas sombras.Y esa es la textura que vemos.
Otro hecho se puede derivar de esto.Si se trata de la luz que crea la textura visible, no puede haber una textura sin luz.¿Y cuál es la sombra, si le falta la luz?Por lo tanto, tenemos que reducir la textura en las zonas oscuras (si hay luz ambiental está presente), o eliminar en absoluto (sin luz, sin textura).Puede utilizar lamáscara de capa para ello, o jugar con la mezcla Si deslizadores (la segunda fila).Tenga en cuenta que las grietas de la textura están en sombras de hecho, lo que no debe ser más oscuro que la zona "normal" sombra.
La aplicación de una textura es rápido y fácil una vez que sabes qué medidas tomar después de elegir uno.Sin embargo, este no es el final.Cada textura es diferente, y aunque algunos de ellos se ven muy bien cuando se aplica directamente, la mayoría requiere un poco más de trabajo.
Una vez más, la regla 80-20 se aplica aquí.Adición de una textura es fácil, pero hacer que funcione es lo que toma más tiempo.En mi ejemplo he mezclé los bordes de sombreado con escalas individuales.Cosas como esta son mucho tiempo, pero cambian todo!
La primera esfera tiene una textura plana en el modo de superposición con una menor opacidad, para que sea menos evidente;el segundo es el mismo, pero con una distorsión aplicada.Comparar a la última, con la costumbre Blend Si los valores y de mezcla ajustado manualmente
Conclusión
Como nos dimos cuenta, la mayoría de los problemas de principiante provienen de esas ganas de lograr grandes cosas sin esfuerzo, lo más rápidamente posible.Así que no es realmente acerca de la falta de habilidad-más bien, se trata de que la creencia profunda que Photoshop es un programa de arte de decisiones.Esto nos lleva a una constante búsqueda de herramientas y trucos, en vez de hacer el esfuerzo de entender y resolver el problema.
Usted no puede convertirse en un artista digital en un día, sólo porque usted ha comprado una pieza avanzada de software de gráficos.Photoshop es una herramienta más conveniente de usar que los pigmentos y pinceles, pero aún así es una herramienta.No se puede hacer más que donde lo quiere!Si usted quiere hacer lo mejor de ella, tratarla como un lienzo digital con colores digitales.Olvídate de todas estas herramientas de lujo, filtros, cepillos, o los modos de mezcla.Simplemente pintar, como lo haría en un lienzo real.
Aprenda la teoría del color, la perspectiva, anatomía, todas estas cosas que los artistas "normales" tienen que aprender.Con el tiempo vas a entender cómo utilizar las herramientas de Photoshop para hacer las mismas cosas más fácil y más rápido, pero no poner el carro delante del caballo, tratando de obtener grandes efectos sin entenderlas.La paciencia es la clave!
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